Leonidas Correa vive entre Managua y San José, Costa Rica. Lleva más de 33 años pintando. En 1977, comenzó a desarrollar su talento artístico a través del estudio del dibujo en la Escuela de Bellas Artes en Granada, desde esos años no ha parado con el pincel entre empastes, y bastidores, hasta llegar a su actual pintura, una nueva serie de abstractos que denotan paisajes lumínicos.
Sus temas son las frutas (peras, manzanas, mangos, aguacates, naranjas, uvas), que aparecen como figuras determinantes de belleza, al igual los abstractos en los que se advierte esa naturaleza que siempre ha estado viva y colorida a través de toda su obra.
Su serie de abstractos puede apreciarse en la muestra permanente que exhibe en el Hotel Crowne Plaza, mismas obras que se presentaron en Galería Aprecia en Costa Rica, hace unas semanas.
De su pintura y los caminos que ha recorrido, dialoga en breve.
¿Qué representa su pintura actual?
Salió de un contrabajo que intervine, era una obra con mucho colorido y abstracta. Ahora estoy mezclando lo que he estado haciendo siempre con lo abstracto en el que también hay algo de surrealismo, como las frutas.
En estas pinturas hay una representación de las diferentes texturas que he tenido en mi pintura, debido a que uno se remonta al pasado.
Su pintura ha sido hiperrealista y figurativa, ahora experimenta con el abstracto. ¿Cómo surge, cómo le viene?
Siempre me ha gustado la abstracción, lo que hago es buscar esa abstracción propia para no andar copiando sino que nadie lo haya hecho. Siempre los colores que uso es una manera muy propia de mi pintura.
Lleva 33 años pintando. ¿Cuál cree ser el gran reto para el creador?
Desde que uno empieza a preparar los colores, hay un proceso creativo en la mente, donde me planteo, cómo voy a llegar ahí, qué colores voy a aplicar, además es el enfrentarse a ese vacío que está ahí, que es la obra que hay que realizar, ese proceso lleva años de analizar. Por ejemplo el proceso de aplicación puede llevarte meses y en ese tiempo se puede ir trabajando en varias obras, para ir planteándose o haciendo la obra maestra que uno va haciendo durante los años.
¿Cuáles considera sus maestros en la pintura?
A través de los años, de Salvador Dalí, Pablo Picasso, Gustav Klimt, de los nuevos Gerhard Richter, Damien Hirst, artistas que han pasado del minimalismo a diferentes obras como yo que no solo hago pinturas sino esculturas tridimensionales y obra conceptual.
¿Qué etapa nos sugieren sus esculturas tridimensionales?
La escultura ha ido pasando de una manzana a otra que tiene más colorido como las abstracciones de las pinturas.
¿Ha llegado a realizar alguna obra que considere perfecta?
(Risas, risas, risas) Perfecto solo Dios, pero uno trata de llegar a realizar algunas con cierta perfección, hay un dibujo que hice de 1986 que lo alcanzó lo que he querido en el hiperrealismo.
Duré mucho tiempo haciéndolo, pero el logro que alcancé ha sido lo que más me gusta. La obra se llamaba Interno, y representaba un dibujo que llevaba una parte en pastel graso, es un objeto de madera como una especie de frutero y eso se refleja en un pichel con unas ollas en el fondo.
¿Cuál es esa obra con la que saca pecho?
Es un óleo sobre tela Los algodoneros, aún es una pintura que a muchos le impacta, la hice en 1982. La hice cuando tenía 17 años.
¿El arte moderno busca el escándalo y no la belleza. Estoy equivocada?
En el arte moderno hay muchas ramas que muestran la belleza y también el escándalo o el caos como puede ser una vaca partida por la mitad y es expuesta como arte, también está un tiburón en formol, la vaca muerta a la que le salen gusanos y mosca, pero también están otros como Jeans Kuhn que muestra unos tulipanes hermosos en sus escultura de acero. Lo otro es el arte de la belleza que sana y perdura.
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